在我们的钢琴教学中，常常听到这样一句话“音乐无法言传，只能意会”。这就是说，仅靠言传只能帮助学生理解到一定程度，无法完全讲清楚，特别是一些感觉方面的体会，确实无法用言语来表达清楚。但问题的另一个方面是，如果我们能够对作品进行比较仔细的分析、也将会对学生有一定的启发。作曲家通过作品表达其思想感情和丰富的想象力，而构成作品的一系列创作手段当然就可以成为我们演奏者深人具体地研究的对象了。如作品的调性、旋律、和声、织体、速度、节奏、音型、声部、音区、句法、结构、表情等等。研究得越仔细越合理，我们对作曲家的意图就会理解得更透彻，对演奏的再创造就有了可靠的依据，才使我们有可能帮助学生提高演奏的音乐表达能力。
但是问题并不是那么简单，有了那么可靠的依据并不等于已经在演奏中体现出来了，这要看不同的学生，有的学生有灵气，稍经启发就能有非常生动的演奏，甚至有自发的音乐感觉．但有相当数量的学生，需要有更多的帮助。如有的学生对一首作品很有想法，甚至能想象出一个故事，但当他一演奏，又完全不是那么回事了，他的丰富的想象并不能在演奏中体现出来。对于这些学生；我们有责任帮助他们将其丰富的想象转化成音乐形象，学会用音乐语言来倾诉心声，使演奏成为有灵魂的、活的、富有情感的表演。
音乐感觉本身具有一定的抽象性，容易意会，不易言明。但它必领通过具体的两个要素——声音与节奏来加以体现。因此，我们不仅可以抽象地对学生进行启发。更能用比较具体的方式让学生听得到、抓得住、感觉得到，学生通过具体的掌握，逐步得到感觉方面的体会。这样学生的音乐表达能力就一定能提高。
一、声音
学生在学习过程中有不少地方不符合作品的要求，其中大多是反映在声音方面。比如一段十分富于歌唱性的旋律弹奏得不动人，那么在声音方面一定可以具体找出若干问题，或者是整个触键不合适：太压？太浮？没有掌握歌唱性的触键；或者是旋律中出现不必要的重音，破坏了旋律优美的线条；或者是旋律缺少一定的起伏，线条感不够等，有些人的弹奏似乎很往意旋律歌唱，“表情”做得很多，但是效果很不理想，因为弹奏时把一句歌唱性旋律做了过多的轻响起伏等，听起来反而很不自然。找出了问题所在，就能针对问题提出解决办法，使其弹奏具有歌唱性而动人。又比如一段十分明亮、欢快、活跃的段落，弹奏得不符合要求：或者是弹奏太重——没有很好地应用手指本身，而是手腕在不必要地使劲；或者是弹奏缺少弹性；或者是中间声音不均匀造成声音的不统一；或者弹奏不够有活力……除了上述原因外，还可能缺乏应有的起伏等。一般来说总可以在具体声音方面找出原因，从而提出解决办法，使其得到提高。再比如作品中出现如号角吹奏的音型；教堂钟声的音型；有的音型如在哭泣、叹息；有的句子好像一问一答；也有很形象地表现男女互诉衷情的抒情对话；有的乐句表现出欢快、跳跃的情绪；有的又深沉悲哀；有的如跳舞、狂欢；有的又平稳、柔和；有的如海潮般的激情；有的又充满着幻想意境等等。这一切都可能而且必须在具体音响效果中体现出来，通过不同的力度，各种不同的触键，以及触键的快慢，手腕的应用、手指架子的控制等再加自己敏锐的听觉，力求再现作品中所要求的音乐形象。那么，我们将在音乐表达能力方面不断取得进步。
钢琴弹奏大量是多声部的，故声音这个要素必然体现在每个声部中。有时演奏中的问题不一定出在每一个声部中，也不一定出在主要声部上，而会出现在“非主要声部”中，从而破坏了整体效果。这就好比一个乐队只要其中有某部分（或者木管部分，或者弦乐部分等）出问题，也必然影响整个乐队的效果。因此，在练习时每个声部都必须达到应有的要求，如果是线条声部，就应该按照线条的要求弹奏好这些声部，如果是和声声部，就应该弹奏好和声的进行，如果是伴奏声部，就需要练习好它本身的声音要求等。只有每个声部都非常讲究，才能有比较好的整体效果，这是重要的一个方面。同时，在每个声部都做得合乎要求的基础上，还要进一步掌握好各个声部的层次，解决好声部之间的平衡。有的学生可能对旋律声部比较强调，而对其他声部放在可有可无的地位，那么，其效果会过于单薄，缺乏丰富的表现力；有的学生不注意控制伴奏声部，弹得太重太响，那样的效果一定也很差。因此，恰当地摆好各声部的位置，有意识地对各个声部作好安排，这也是音乐表达方面的重要环节。
在抓好声音这个要素的同时，不能不同时注意踏板的应用，这里所提的踏板包括左、中、右三个踏板，它们对声音的丰富和变化起着十分重要的作用。踏板应用得恰当、踏板与手配合得好，对演奏水平的提高至为重要，教师可以对学生作具体的指导。
以上谈论了声音这一要素的音质、音量、音色诸方面的掌握和控制。实际上通过这样的要求，学生不但能在音乐表达方面产生效果，而且还能对掌握各种触键的能力、掌握踏板应用的能力、以及技术能力的提高等方面都有大的作用。
二、节奏
当我们仔细研究学生在演奏中有不够理想的地方时，常常可以在节奏方面找到原因，具体情况如下：
速度不妥：一种是速度完全不合适，快、慢错位，那么其音乐形象或情感完全不同，不符合音乐的要求。另一种是快、慢的基点是对的，但分寸没有掌握好，或者能力尚未达到，那么效果也受影响。如将快速的曲子演奏得过快，既不能充分地演奏清楚作品中的一切要求，又较混乱；或者将慢速的曲子演奏得过慢，破坏了旋律线条，使乐曲缺乏流动感等。值得我们注意的是，速度常常不是绝对化的，在基点合适的基础上，不同的演奏家可能有不同的速度，但有一点是共同的，即都必须准确地把握住音乐形象和效果。
节奏的不统一：在一首乐曲中无意识地、不知不觉将某些段落演奏得时快时慢，这自然不会舒服， 不可能符台作品的要求。其中原因，可能是缺乏节奏感觉，弹弹就忘记自己应有的节奏；也可能是由于技术上的原因，容易的地方快，难的地方就慢下来等等；也有的是因为节奏变化多而不能统一，如二连音、三连音、四连音、六连音等的互相组合，抓不住基本节奏造成不统一，这些都应该而且可以加以改进。
节奏的不均匀：主要是手指的技能和触键方面能力不强所造成。而有的节奏不匀完全是心里缺少节奏感觉，忽快忽慢，甚至少弹一拍或者多弹一拍，休止符更是不够往等。针对这些问题，必须进行严格认真的练习，并通过一定的指导，得到提高和解决。
节奏的松紧：主要指节奏的自由度。节奏应该是严格而准确的，但决不是机械的，因为节奏是表现音乐的重要因素；音乐是传达人的情感，是具有生命力的，所以其节奏必然也应该是活的，有时要松，有时又要紧，就像人的脉搏，随着情绪的变化而有快慢的变化；但是它的松紧；是依据音乐的自然流露，不能随心所欲。节奏的松紧是比较难于掌握的，因为音乐是千变万化的，它不可能有一个固定的公式，它更多的是一种感觉的培养和提高。但恰恰有不少学生不能很好地掌握节奏的自由度，因而使演奏缺乏好的表现：或者弹奏得不自然；或者弹奏得十分死板，缺少弹性、活力；有的高潮推不上去；有的不能表达十分深沉的感情；有的从响的段落突然转变成轻的声音时缺少应有的时间上的准备；有的从弱的段落突然转变成强的效果时缺乏突如其来的情绪等。总之，要解决好这个问题，学生需要进行认真地钻研，反复琢磨，有时甚至像学指挥那样，边指挥边哼唱（可以离开钢琴），加强音乐感觉。在课堂上，教师的示范十分重要，边示范边指挥，或者边指挥边启发学生演奏，这些都会有所帮助。通过教学实践，老师们都能发现，学生在这样的学习过程中，一般都能逐步掌握节奏的松紧提高音乐的表达能力。
节奏的呼吸：人的说话、唱歌都需要呼吸，钢琴演奏也是一样。我们常常说弹琴要像歌唱那样委婉动听，那么，呼吸理所当然是十分重要的。有的学生弹奏时急得顾不上给音乐有必要的呼吸，使演奏者和所众都有种不舒服的紧张感；有的学生没有掌握好呼吸的分寸，当然也是不可能取得好的效果的，这里，实际上也是一个节奏的掌握问题。
节奏点的强调与弱化：有不少乐曲或有的乐曲的某个片段节奏性很强，其音乐特点就是要突出节奏点。那么，在演奏中就应抓住并加强节奏点（当然在声音上仍要考虑到音乐本身的要求）；而有的乐曲或片段是完全不应有节奏点（重音）的，甚至应该打破小节线，将句子演奏成一条长旋律，这就需要我们掌握好既有节奏又具圆润歌唱。
突出节奏的特性：根据音乐特点强调不同的节奏点或某些有特点的节奏。比如在有的音乐作品中，要强调的不是第一拍而是第二拍，或者需强调小节中的最弱拍，这是由于特定的乐曲风格所决定的；另外有些需要一定特点的节奏，比如有时在圆舞曲中第一拍与第二拍之间比较紧，而将宽出来的时间放到第二拍与第三拍之间；或者有的乐曲可以将附点节奏略靠后些，使其更有风格或活力等，这些特点在我们演奏中如果掌握得好，也将会加强音乐表现力。
在分别讲过声音与节奏这两个弹奏要素后，最后还要补充一点是，这二者常常是同时要求的，即为了音乐形象和感情的需要求得某种声音的变化，必须同时在节奏上加以控制，比如一句上行的旋律，当准备弹奏到最高点并进而下行时，为了“歌唱”得更加优美、迷人，适当地在节奏上抻一下，并且声音上有更好的控制，出来的效果会是很动人的。或者再比如一个片段后接着出现一个很强的和弦音，如果将这和弦音的弹奏稍靠后一些，也就是在节奏上拉住一点，同时使得手的动作趋势有更充分的准备，这个和弦弹奏出来将会给听众更加有力的效果，等等，诸如此类的情况在演奏中是相当多的，我们可以在平时学习中有意识地多加研究。当学生在声音和节奏上都达到较好的要求时，一般来说，他的音乐感觉应该已有所反映。这时．再进一步在感情上、情绪上、意境上、形象上等给以启发，就有可能收到明显的效果。当然，这一系列工作都是一个过程，是一个逐步提高、逐步领会的过程，也是逐步积累的过程。
声音与节奏这两个要素，都离不开实际弹奏，它贯穿于每堂课中，贯穿于每部作品、每一小节、每一个音符中。让我们在实际教学中不断探讨，深人研究，争取更大进步。
摘自：钢琴艺术 文/ 林尔耀
